Un artiste précoce

Osamu Tezuka est né le 3 novembre 1928 à Toyonaka, dans la préfecture d'Osaka.
Chose rare pour l'époque, son père possédait un projecteur de films.
Les œuvres de Charlie Chaplin et de Disney font très tôt partie de la culture cinématographique du garçon. Très jeune, il est marqué par la vision des dessins animés de Walt Disney et il voue une affection toute particulière au film Bambi. L'influence de Disney apparaît dans le style graphique de Tezuka, rond, généreux et franc, et dans les grands yeux enfantins et très expressifs de ses héros, caractéristique empruntée aux personnages des productions Disney tels que Mickey Mouse et Bambi et reprise ensuite par de nombreux dessinateurs japonais4,5,6. La famille de Tezuka s'établit dans la ville de Takarazuka alors que ce dernier est âgé de quatre ans.
L’environnement naturel de cette région a sans doute joué une grande influence sur la passion de Tezuka pour la nature.
Sa fascination pour les insectes est née là-bas, alors qu’enfant, il parcourt les alentours.
Sa mère l’introduit très jeune à la vie artistique très riche de la ville, réputée pour son théâtre et sa revue.
La Takarazuka Revue est un mouvement moderne de théâtre.
En opposition au théâtre traditionnel japonais joué exclusivement par des hommes, occupant tous les rôles, même ceux des personnages féminins, la revue de Takarazuka ne fait jouer que des femmes.
Enfant, il ne cesse de dessiner et gagne l'admiration de ses camarades de classe en reproduisant leurs héros de mangas préférés. Il publie très jeune ses premiers mangas en 1946, et décroche à l'âge de 17 ans une place de rédacteur au sein du Shōkokumin Shinbun, où il publiera sa première bande dessinée professionnelle, Le Journal de Mā-chan, dans l'édition d'Osaka.

Une soif d'indépendance et d'innovation

Médecine, manga et cinéma

En parallèle à sa profession de dessinateur, il suit des études de médecine à l'Université d'Osaka.
On retrouve des traces de cette formation dans son œuvre, particulièrement dans son manga Black Jack (1973), mettant en scène un chirurgien à gages, qui exerce dans l'illégalité.
Le personnage du scientifique est une figure que l'on rencontre couramment dans son œuvre.
Dans un Japon détruit par la guerre, Tezuka rencontre le succès dès 1947, grâce à un manga appelé La Nouvelle Île au trésor qu'il réalise en collaboration avec Shichima Sakai.
Ce titre se vend à ce moment à plus de 400 000 exemplaires9. Il mène alors une vie partagée entre la création artistique pour des magazines et ses études.
Il travaillera aussi ensuite en tant que critique de cinéma.
Il rencontre à cette époque le jeune Yoshihiro Tatsumi qu'il conseille, et qui deviendra plus tard le créateur du gekiga, démarche que Tezuka désapprouvera.

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Années 50 60 70

Astro Boy

En 1952, Osamu Tezuka donne naissance à un héros qui marquera des générations de Japonais :
Astro Boy (鉄腕アトム, Tetsuwan Atomu?). Un petit robot, créé le 7 avril 2003 dans un monde futuriste, ayant l'apparence d'un jeune garçon.
Détenteur de grand pouvoirs, sérieux malgré son apparence et fondamentalement bon, ce personnage est un défenseur de la paix et influencera de nombreux artistes et scientifiques, comme le témoigne Tatsuya Matsui, designer du robot enfant Posy : « À la fin de la guerre, en 1945, le Japon était ruiné. Les enfants n'avaient rien à manger.
En 1952, ils ont découvert Astro Boy et les mangas d'Osamu Tezuka.
Astro Boy a alors apporté au pays une dose d'espoir et d'énergie impensable.
Les enfants se sont remis à rêver.
Astro Boy a influencé de nombreux futurs concepteurs de robots. Moi le premier ! »
Le style de Tezuka rencontre un franc succès en raison des éléments nouveaux qu'il introduit dans ses planches de mangas.
Il adopte en effet un découpage cinématographique et un style précurseurs, se jouant des cases de bande dessinée avec beaucoup d'intelligence et de malice.
Il est de ce fait présenté comme le père du manga moderne, mais sa contribution à l'art nippon ne s'arrête pas à ce domaine.

La villa Tokiwa

Dans les années 1950, pour les besoins de son travail de mangaka, l'auteur s'entoure d'une équipe de dessinateurs pour l'assister dans ses travaux.
En 1953, il s'installe pour travailler à Tokyo sur la recommandation d'un éditeur, dans une petite maison de bois appelée Tokiwasō (la villa Tokiwa) où il travaille avec son équipe.
Tokiwasō « s'apparente à une sorte d'atelier de la Renaissance, où le maître donne les directives pendant que les « apprentis » font les décors, les trames et le travail de documentation ».
Cette bâtisse deviendra célèbre pour avoir abrité depuis une succession d'artistes.
Il connaît à cette époque une certaine rivalité avec Eiichi Fukui, mais celui-ci meurt subitement de surmenage.
Mushi Productions et Tezuka Productions

En 1961, il fonde ses propres studios d'anime, Mushi Production, qui lui donnent l'indépendance nécessaire pour mener ses recherches sur les techniques de l'animation.
Des courts métrages expérimentaux seront ainsi réalisés, tel que les Tableaux d'une exposition en 1966, Le Saut (Jumping) en 1984 ou encore La Légende de la forêt en 1987, qui se veut un hommage musical et visuel au cinéma de Disney et un clin d'œil rendu sur l'évolution des techniques du cinéma d'animation.
Le succès rencontré par les œuvres permettront au studio d'employer de jeunes talents, comme Osamu Dezaki ou encore Hayashi Shigeyuki, célèbre sous le pseudonyme Rintarō, qui intègre le studio en 1962.
Ce dernier a supervisé l'animation de plusieurs séries originellement publiées en mangas : Princesse Saphir, Le Roi Léo, Astro Boy, et se rappelle le challenge technique et narratif que représentait leur conception :
« On insistait constamment sur la rapidité. Chaque histoire devait fonctionner sans temps mort.
Pour y parvenir, il nous fallait surmonter de nombreuses contraintes.
À la télévision, l'écran est si petit que les plans d'ensemble ne fonctionnent quasiment pas.
Il faut donc enchaîner les gros plans rapides pour que le résultat ait un impact.
De plus, les épisodes sont sans cesse interrompus par des publicités, elles-mêmes montées très « cut ».
Il est donc nécessaire de fonctionner au diapason. »
Couplée aux techniques d'animation limitée, la force d'innovation de Tezuka lui permet de concevoir la réalisation d'épisodes de séries animées à un rythme hebdomadaire ; un concept et surtout une technicité qui sont très vite adoptés par les plus grands studios et sont à l'origine des séries animées actuelles.
Tezuka est ainsi à l'origine de la première série animée japonaise diffusée hebdomadairement, Astro Boy, en 1963, qui narre les aventures animées du robot aux allures de garçon qu'il avait créé en bande dessinée.
Il est aussi l'instigateur d'une des premières séries japonaises en couleurs, Le Roi Léo en 1965, adaptation animée d'une autre de ses œuvres phares.
Les studios Mushi font faillite en 1973.
Tezuka fonde alors un nouveau studio du nom de Tezuka Productions, qui produira les futurs films, mais aussi quelques remakes d'anciens anime de Mushi tels que, par exemple, la version en couleur d'Astro le petit robot qui sera diffusée en France.

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Tezuka hors du Japon : Les États-Unis et l'Europe

Défenseurs et détracteurs américains

Tezuka, bien qu'auteur reconnu au Japon, n'était que très peu connu à l'étranger.
Il rencontre pourtant Walt Disney, qu'il admirait énormément, en 1964 à l'occasion de la Foire internationale de New York.
Fred Ladd (Fred Laderman, né en 1927), scénariste et producteur de films américains est connu comme étant l’un des premiers professionnels de l’audiovisuel à introduire les productions animées japonaises aux États-Unis.
En 1963, la chaîne de télévision NBC Enterprises acquiert les droits de la série Astro Boy et le consulte pour élaborer son développement commercial.
Dès les années 1960, la société Disney voit Tezuka et son œuvre comme une menace envers son industrie, et impose un chantage aux réseaux (« networks ») de diffusion télévisée :
si ces derniers ne renonçaient pas à diffuser Le Roi Léo (qui connaissait un certain succès aux États-Unis) et Astro Boy, Disney ne leur permettrait plus de diffuser ses propres productions.
Pendant des années, les œuvres de Tezuka et les productions japonaises en général, animées ou non, subissent un embargo aux États-Unis.
Il faut l'intervention d'une importante base de « fans » — notamment dans le domaine de la bande dessinée —, le délitement de l'autorité de Disney (qui, ayant ses propres chaînes de télévision et réservant à ses dernières la plus grande part de sa production, n'avait plus grand-chose à offrir) et la multiplication exponentielle du nombre de chaînes de télé pour que les séries japonaises apparaissent à nouveau sur le petit écran américain, au début des années 1990.
Les États-Unis demeurent cependant réceptifs à l'œuvre de Tezuka puisqu'en 1980, l'International Film Festival de Las Vegas décerne son prix d'animation au film Phénix, l'oiseau de feu et le Comic-Con de San Diego attribue le prix Inkpot à Tezuka.

1960–1994 : De Kimba à Simba

Article détaillé : Le Roi Léo (série télévisée d'animation).
Au Japon, le manga Le Roi Léo est publié de 1950 à 1954 puis adapté en série animée dès 1965, ce qui en fait la première série animée en couleurs du Japon. Une version doublée en anglais est conçue un an après.
Le lionceau blanc a perdu son nom d'origine, Léo, pour être baptisé « Kimba » dans la version américaine.
Cette série, Kimba the White Lion, rencontra un fort succès sur le sol américain.
En 1994, les studios Disney connaissent le plus grand succès de leur histoire avec Le Roi lion, dans lequel le lionceau porte le nom de Simba.
Si le scénario de Disney ne fait pas figurer l'intervention de l'homme, les similitudes avec l'œuvre de Tezuka sont nombreuses, tant sur le plan du scénario, des personnages, que du découpage de certaines scènes phares.
Les studios Disney nient cependant la référence à Tezuka ; ils indiquent que les ressemblances ne sont que pures coïncidences32 et déclarent même ne pas connaître l'auteur.
La société de production gérant les droits des œuvres de Tezuka ne porta pas plainte devant les tribunaux internationaux, jugeant que le mangaka, grand admirateur des œuvres de Walt Disney qui l'avaient inspiré à de nombreuses reprises, aurait été flatté que le studio américain s'inspire à son tour de l'une de ses œuvres.

Les réticences européennes

En France, au Canada, en Espagne ou en Italie, les séries japonaises ont commencé à connaître un certain succès dès la fin des années 1970.
Les séries Astro, le petit robot, Princesse Saphir et Le Roi Léo seront diffusées à la télévision française dans les années 1980.
Cette dernière a d'ailleurs été traduite en anglais et en espagnol dès 1966, témoignant la volonté d'exporter l'œuvre à travers le monde.
De 1978 à 1981, Le Cri qui tue est l'un des premiers magazines de bande dessinée à traduire et publier en France des mangas d'auteurs célèbres, dont le manga Ignis de Tezuka.
Le créateur de la revue, un jeune Japonais du nom d'Atoss Takemoto, désirait faire découvrir à l'Europe la bande dessinée japonaise. Il prévoit dès les années 1980 l'avenir du manga en France:
Mon vœu le plus cher est de mettre les œuvres sous une forme telle que je pourrais, alors, abaisser le prix de vente au niveau du livre de poche.
Sa revue a publié des mangas aux styles très différents.
Le Cri qui tue est le magazine qui a permis à ma génération de prendre contact avec la BD japonaise.
On y trouvait aussi Tezuka et surtout Tatsumi, c'est-à-dire à la fois des auteurs pour enfants et des auteurs très durs.
Ces publications, dans des magazines dédiées à la bande dessinée au sens large (européenne ou japonaise) que sont Le Cri qui tue ou les Humanoïdes Associés, ont marqué leurs lecteurs de l'époque mais n'ont pas remporté le succès escompté.
Les titres japonais ont été abandonnés et ne retrouveront les grâces du public qu'avec des auteurs plus modernes et des œuvres au marketing abouti, à une époque où le Japon sera considéré par la majorité des Français comme un modèle de réussite économique.
C'est le domaine de la bande dessinée qui, en Europe, a résisté le plus longtemps à l'arrivée des productions japonaises.
Des bandes dessinées adaptées de séries étaient diffusées en France :
les cases étaient réalisées sur place, issues du découpage des scènes de dessins animés japonais, illustrant un scénario réduit au minimum, sans rapport avec les œuvres originales.
Pour cette raison, la bande dessinée japonaise a mis énormément de temps à faire savoir son existence en Europe, tandis que les dessins animés étaient eux très largement diffusés, jusqu'à la fin des années 1980, période à laquelle ils ont à nouveau disparu des écrans, sous la pression de personnalités politiques comme Ségolène Royal qui accusaient ces dessins animés de plusieurs maux (moralité douteuse, manque de qualités artistiques, violence, etc).
C'est dans un contexte d'ignorance vis-à-vis du dessin animé et de la bande dessinée japonais qu'Osamu Tezuka s'est présenté à la 9e édition du Festival international de la bande dessinée d'Angoulême, en 1982, pour projeter son film Hi no Tori 2772, dans une indifférence totale.
À cette occasion, il se lie cependant d'amitié avec Moebius qui sera un des premiers « passeurs » du manga en France.
Cependant, les critiques les plus avancés étaient déjà au fait de l'importance de Tezuka dans le patrimoine mondial de la bande dessinée.
C'est bien après la disparition de Tezuka que le festival d'Angoulême propose Ayako pour le « prix patrimoine » lors de sa 31e édition, en 2004, puis, pour la même récompense, Prince Norman lors de la 33e édition deux ans plus tard, sans succès dans les deux cas.
Les mangas de Tezuka comptent parmi la première vague de mangas traduits en France, avec notamment les classiques Astro, le petit robot, Le Roi Léo, Black Jack et Bouddha, aux éditions Glénat, Tonkam puis Asuka et Delcourt.
Depuis les années 2000, la traduction d'œuvres de Tezuka a fortement augmenté en France et les premières œuvres traduites de Tezuka ont fait l'objet de rééditions.
« Osamu Tezuka m’impressionne pourtant beaucoup et j’ai tendance à penser que, sans tenir compte de sa façon de dessiner et qu’elle ne peut pas plaire à tout le monde, il se pourrait bien qu’il soit l’auteur de BD le plus important de la BD mondiale.
Il a tout exploré, tout inventé.
C’est un des génies du vingtième siècle (…) On peut facilement se faire de l'argent avec le manga en éditant des auteurs pour adolescents. Publier du Tezuka représente un autre challenge, mais indispensable »

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Une Oeuvre colossale

Tezuka a tellement écrit au cours de sa vie (plus de 700 œuvres originales) qu'il est impossible de tout énumérer de manière exhaustive.
Touche à tout, scénariste inspiré, sa création est résolument moderne et universelle.
Il aborde tous les thèmes : de la fresque historique ou épique à la science-fiction et au fantastique, qui font partie de ses domaines de prédilection.
Profondément altruiste, il n'a de cesse de communiquer ses passions (la recherche de la vérité, la philosophie, la science, la littérature) et de transmettre son savoir sous une forme attrayante, ludique et à la portée de tous.
Ayant connu les affres de la guerre, l'amour de la vie et la défense de la paix sont une constante de son œuvre.
Il exprime lui-même cela :
Ce que j'ai cherché à exprimer dans mes œuvres tient tout entier dans le message suivant :
Aimez toutes les créatures ! Aimez tout ce qui est vivant !

On peut citer parmi ses œuvres phares :

Astro, le petit robot (鉄腕アトム, Tetsuwan Atomu?, Astro Boy)
revisite sous une forme réactualisée le thème du Prométhée moderne en abordant le sujet de l’intelligence artificielle et donne naissance à un super-héros japonais, le pendant des grandes figures héroïques de Marvel.
Le Roi Léo (ジャングル大帝, Janguru Taitei?)
pose les questions de la place de l'individu dans la société et mène déjà une réflexion sur l'impact de l’homme sur l’environnement, sur le thème de la responsabilité également.
Princesse Saphir (リボンの騎士, Ribon no Kishi?, littéralement « Le Chevalier au Ruban »)
préfigure les héroïnes les plus intrépides de l’animation japonaise.
Le style adopté par Tezuka et l'intrigue jouant sur l'ambivalence sexuelle du personnage joue un rôle précurseur dans l'histoire du courant dit shōjo.
Black Jack (ブラック・ジャック, Burakku Jakku?),
le médecin de génie, cynique, taciturne et solitaire soulève à chaque nouveau cas la question de la valeur de la vie, de l’éthique, et inspirera bien des années plus tard un autre personnage hors normes, Dr House (dans un épisode, ce dernier révèle que son désir de devenir médecin vient de sa rencontre avec un médecin « paria » japonais).
Black Jack prend vie en 1973 alors que Tezuka voit avec désarroi la faillite de son studio Mushi Production.
L'ara aux sept couleurs (七色いんこ, Nanairo inko?)
est un hommage au théâtre et offre des « critiques » humoristiques de pièces, de Hamlet de Shakespeare au théâtre japonais, américain ou russe — dont Tchekhov — en passant par le Rhinocéros d'Eugène Ionesco, Médée d'Euripide ou Cyrano de Bergerac.

Tezuka aborde aussi les thèmes religieux et philosophiques, aussi bien sous des formes courtes (le manga Le Cratère ou les recueils d'histoires courtes Histoires pour tous par exemple) qu'à travers de grandes fresques épiques ou historiques :
Phénix, l'oiseau de feu relate notamment l’arrivée en terre japonaise du bouddhisme, œuvre en plusieurs opus qui accompagnera l'auteur tout au long de sa vie, de 1967 à sa mort, pour rester inachevée.
Il dépeindra plus tard la vie de Siddhartha Gautama dans Bouddha.
Vers la fin de sa vie, alors qu'il est frappé par la maladie, il adopte dans ses mangas un style plus sombre, destiné à un public plus âgé ; L'histoire des 3 Adolf, par exemple, à travers les vies croisées de trois personnages partageant le même prénom, porte un regard éclairé sur les préjugés, les engagements idéologiques et militaires des hommes durant la Seconde Guerre mondiale.
Ayako est à la fois une fiction politique et un drame présentant les errances et les tiraillements de la société japonaise d'après guerre.

Un style précurseur

Le style de dessin de Tezuka est reconnaissable à son trait clair, généreux, son style très expressif, un découpage cinématographique, vif et rythmé.
Son trait presque « caricatural », qui paraît parfois aux lecteurs non avertis un peu « simple » n'en est pas moins technique et parfaitement maîtrisé.
Très expressifs, les dessins servent parfaitement et avant tout le discours de l'auteur.
« Les insectes et les animaux restent les figures omniprésentes.
Ils sont personnifiés, comme dans les premières Silly Symphonies [de Disney].
Tezuka resta effectivement fidèle au dessin lisse et tout en rondeur de Disney, même si les distorsions et les effets expressionnistes, déjà lisibles dans [ses] premiers mangas, réclameraient une plus grande parenté avec l’univers de Tex Avery.
Enfin, l’unité graphique de l’œuvre, remarquable en dépit des écarts de genres, donne à l’ensemble une jovialité et une bonhomie qui font désormais partie des éléments identitaires du "style Tezuka" ».
L'humour trouve toujours sa place dans ses œuvres, même les plus sérieuses.
Par un détail, un jeu de mots ou une « pitrerie », l'auteur apporte de la légèreté aux scènes les plus graves, ou se moque de ses personnages.
L'auteur pratique également l'auto-dérision et se met souvent en scène.
L’organisation des planches de Tezuka est précise, chaque trait a une fonction précise, chaque ligne a un sens.
Quand l’auteur brise une case, ce n’est pas le fruit du hasard. Parfois les planches foisonnent de détails, de petites blagues, les décors ne sont pas oubliés.
L’auteur se révèle très doué pour retranscrire les expressions des personnages, l'explosion des sentiments humains.
Il utilise volontiers le style « SD », abréviation de « Super Deformed » (le personnage se retrouve parodié : représenté sous une taille réduite, avec une grosse tête amusante).
Tezuka offre un style extrêmement riche, volubile, sans cesse renouvelé.
Il se joue ainsi des codes de la bande dessinée, sortant des cases, brisant les lignes, découpant les planches pour mieux servir un message, retranscrire une action, souligner un geste ou une parole.
Il innove sans cesse dans la science du découpage des scènes.
Ses scénarios tournent souvent autour de la confrontation, que ce soit l'homme qui lutte contre la nature, la technologie, ses semblables, ou l'inverse.
Ces affrontements prennent la forme de problèmes tels que l'impérialisme, la dictature, la destruction de la nature, la colonisation, la guerre, le génocide, la bureaucratie.

Une galerie de personnages récurrents

On retrouve certains types de personnages au fil de l'œuvre de Tezuka, symbolisant parfois des qualités ou des défauts humains :
le scientifique visionnaire ou dangereux, le vieux sage, le riche patron, l'enfant malicieux, le jeune premier, l'égoïste, etc.
Tezuka a ainsi créé une véritable galerie de personnages récurrents d'une histoire à l'autre, qu'ils soient ré-utilisés de manière totalement originale ou bien apparaissant à la manière d'un caméo de cinéma :

Moustache (ひげおやじ, Higeoyaji?) :
comme son nom l'indique, ce personnage à la mine sympathique porte une moustache.
Il est l'un des premiers personnages dessinés par Tezuka à faire plusieurs apparitions.
Il revêt souvent la forme d'un enquêteur, d'un aventurier ou d'un instituteur qui démêle l'intrigue et apporte son soutien au héros.
Tezuka lui consacre un manga au début de sa carrière.
Ce personnage fera ensuite des apparitions dans d'autres œuvres.
Dans le manga Astroboy, il joue un instituteur ouvert d'esprit et très porté sur les sciences naturelles.
L'une de ses apparitions la plus remarquable se produit dans le manga Le Roi Léo, où il aura pour allié indéfectible le lion blanc.
Le professeur Ochanomizu : reconnaissable à son long nez et ses cheveux blancs et bouclés, il est tantôt un vieux sage, un ermite, un docteur ou un scientifique. Ce personnage fait preuve très souvent de recul et a une conscience aiguë des enjeux de l'intrigue.
Des blagues fusent bien souvent sur la longueur de son nez.
Acetylene Lamp :
ce personnage, inspiré d'un camarade d'enfance de Tezuka, occupe souvent la place du traître, du gangster ou de l'ennemi, aisément reconnaissable à sa mine patibulaire et à la bougie fixée derrière sa tête qui lui donne son surnom.
Gourdsky (ひょたんつぎ, Hyotantsugi?) :
cette étrange créature, toute rapiécée, avec une forme de calebasse et un groin de cochon serait inspirée d'un dessin raté fait par la sœur de l'auteur.
Présente dans la majorité des œuvres de Tezuka, elle est souvent extérieure à l'histoire, insérée en arrière-plan ou à la place du visage d'un personnage contrarié ou secondaire afin de créer un effet comique.
l'auteur :
Tezuka se met souvent en scène dans ses mangas. Avec sa silhouette facilement identifiable à son éternel béret et à ses grosses lunettes, il ne se donne pas toujours le beau rôle et s'élimine même parfois.
Il apparaît pour présenter ses œuvres comme dans le manga Astroboy où il explique la genèse du personnage, des premières planches éditées dans les magazines à l'édition du livre.

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Oeuvres traduites en Français

Par ordre chronologique de publication en français avec, entre parenthèses, la date de publication au Japon. • Astro, le petit robot (1952-1968) :
Glénat, coll. « Manga », 12 volumes, 1996-2000.
Kana, coll. « Sensei », 6 volumes (anthologie), 2009-2012.
• Le Roi Léo (1950-1954) :
Glénat, 3 volumes, 1996-1997. Kazé, 3 volumes, 2010-2011.
• Black Jack (1973-1983) :
Glénat, 12 volumes, 1996-2000.
• « Le meilleur d'Osamu Tezuka »,
Asuka, coll. 17 volumes, 2004-2006.
• Blackjack, le médecin marron, coll. « Shônen », 3 volumes, 2006.
• Bouddha (1974-1984), Tonkam, coll. « Tsuki Poche », 8 volumes, 1997-1999.
• L'Histoire des 3 Adolf (1983-1985), Tonkam, coll. « Tsuki Poche », 4 volumes, 1998-2001.
• Le Cratère (1969-1970), Tonkam, 2 volumes, 2000.
• Phénix, l'oiseau de feu (1956-1989), Tonkam, coll. « Tsuki Poche » 11 volumes, 2000-2002.
• Ayako (1972-1973), Delcourt, coll. « Akata », 3 volumes, 2003-2004.
• MW (1976-1978), Tonkam, 3 volumes, 2004.
• L'Ara aux sept couleurs (Nanairo inko) (1981-1983), Asuka, coll. « Le meilleur d'Osamu Tezuka », 5 volumes, 2004.
• L'Arbre au soleil (1981-1985), Tonkam, 8 volumes, 2004-2006.
• Princesse Saphir (1953-1957), Soleil Productions, coll. « Soleil Manga », 3 volumes, 2005.
• Vampires (1966-1969), Asuka, coll. « Le meilleur d'Osamu Tezuka », 3 volumes, 2005.
• Unico (1976-1979), Soleil Productions, coll. « Soleil Manga », 2 volumes, 2005.
• Barbara (1973-1974), Delcourt, coll. « Akata - Ginkgo », 2 volumes, 2005.
• Metropolis (1949), Taifu Comics, coll. « Taifu Classic », 2005.
• Kirihito (1970-1971), Delcourt, coll. « Akata - Ginkgo », 4 volumes, 2005-2006.
• Prince Norman (1968), Cornélius, coll. « Paul », 3 volumes, 2005-2006.
• L'Enfant aux trois yeux (1974-1978), Asuka, coll. « Le meilleur d'Osamu Tezuka », 8 volumes parus, 2005-2007.
• Dororo (1967-1968), Delcourt, coll. « Akata - Ginkgo », 4 volumes, 2006.
• Les Enfants de Saphir (1958-1959), Soleil Productions, coll. « Soleil Manga », 1 volume, 2006.
• Histoires pour tous (1998-2002), Delcourt, coll. « Akata », 20 volumes, 2006-2011.
• I.L (1969-1970), Casterman, coll. « Sakka », 2006.
• Hato : Toujours plus haut ! (1964-1967), Cornélius, coll. « Paul », 3 volumes, 2006-2007.
• Avaler la terre (1968-1969), Milan, coll. « Kanko Classiques », 2 volumes, 2006.
• Don Dracula (1979), Soleil Productions, coll. « Soleil Manga », 2 volumes parus, 2006-2007.
• Ludwig B (1987-1989), Asuka, coll. « Le meilleur d'Osamu Tezuka », 2 volumes parus, 2006-2007.
• Demain les oiseaux, Delcourt, 1 volume, 2006.
• La Légende de Songoku (1952-1959), Akata, 4 volumes, 2006-2008.
• Tonkaradani (1953-1957), Milan, 1 volume, 2007.
• Midnight (1986-1987), Asuka, coll. « Le meilleur d'Osamu Tezuka », 4 volumes parus, 2007-2008.
• Triton (1979), Soleil Productions, coll. « Soleil Manga », 3 volumes parus, 2007-2008.
• Lost World (1948), Taifu Comics, coll. « Taifu Classic », 2007.
• Next World (1951), Taifu Comics, coll. « Taifu Classic », 2007-2008.
• Shumari (1974), Tonkam, 4 volumes, 2007-2008.
• Le Château de l'aurore (1959), Cornélius, coll. « Paul », 1 volume, 2008.
• Kaos (1978), Cornélius, coll. « Paul », 3 volumes, 2008-2009.
• Ikki Mandara (1979), Kana, coll. « Sensei », 1 volume, 2008.
• Gringo (1987-1989), Kana, coll. « Sensei », 1 volume, 2009.
• La Femme insecte (1970), Casterman, coll. « Sakka », 1 volume, 2009.
• Sarutobi (1960-1961), Cornélius, 1 volume, 2009.
• Debout l'humanité ! (1967-1968), FLBLB, 1 volume, 2011.
• Sous notre atmosphère (1972), Éditions H, coll. « Manga », 1 volume, 2011.
• Ma vie manga (essai, 2011), Kana, coll. « Seinsei », 1 volume, 2011.
• Alabaster (1978), FLBLB, 1 volume, 2012.
• Le Chant d'Apollon (1977), Kana, coll. « Sensei », 1 volume, 2012.
• L'Homme qui aimait les fesses (1970 et 1981), FLBLB, 1 volume, 2012.
• La Grande pagaille du Diletta (1968), FLBLB, 1 volume, 2013.
• Mako, Rumi et Chii (1979), Black Box, 1 volume, 2013.
• La Nouvelle Île au trésor (1947), Isan manga, 1 volume, 2014.
• Néo Faust (1988), FLBLB, 1 volume, 2016.

Adaptations et productions

Séries télévisées

Astro Boy
Astro Boy (1963)
Astro, le petit robot (1980)
Astro Boy 2003 (2003)
Le Roi Léo, 3 séries : 1965, 1967, 1989
1965 : W3
1967 : Princesse Saphir
1967 : Goku no Daibōken
1969 : Dororo to Hyakkimaru
1972 : Merveilleuse Melmo
1972 : Triton
1977 : Jetter Mars
1980 : Nucléa 3000 (Fumoon)
1982 : Don Dracula
1990 : Magie bleue
1993 : Magma Taishi
1997 : Tezuka Osamu no Kyuuyaku Seisho Monogatari - In the Beginning
2004 : Black Jack
2004 : Hi no tori
2019 : Dororo
Filmographie sélective

Longs métrages

1960 : Alakazan, le petit Hercule
1978 : Le Prince du soleil
1978 : Mam'zelle Tom Pouce (Andersen dowa Oyayubi-hime)
1980 : Phénix, l'oiseau de feu
1994 : Princesse Saphir
2001 : Metropolis, Tezuka Productions, réalisé par Rintarō

Animerama

1969 : Les Mille et Une Nuits
1970 : Kureopatora
1973 : La Belladone de la tristesse

Adaptations

2007 : Dororo, film en prises de vues réelles
2009 : Astro Boy, film d'animation en relief

Courts et moyens métrages

1962 : Histoires du coin de la rue
1964 : La Sirène
1965 : La Goutte
1966 : Tableaux d'une exposition
1985 : Le Film cassé
1985 : Le Saut
1988 : La Légende de la forêt

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